martes, 26 de enero de 2016

CODIGO VERBAL, PARAVERBAL Y NO VERBAL

CODIGO VERBAL, PARAVERBAL Y NO VERBAL

LENGUAJE VERBAL
El lenguaje verbal se caracteriza por utilizar el lenguaje escrito u oral. Presenta un emisor - receptor - mensaje - contexto - canal - código.
Emisor: Es quien emite el mensaje, es decir, quien habla o escribe.
Receptor: Quien recibe el mensaje, es decir, quien escucha o lee.
Mensaje: Es el enunciado, lo que se trasmite desde el emisor al receptor, es decir, lo hablado o escrito, construido según un código lingüístico.
Código: Sistema de señales o signos que se usan para transmitir un mensaje, por ejemplo, el inglés, el castellano, el código morse.
Contexto situacional: Entorno donde se realiza la comunicación, ya sea el entorno físico o la situación (política, social, histórica o de otro tipo).
Contexto temático: Tema en torno al que se organiza la situación comunicativa.
Canal: Elemento físico que establece la conexión entre el emisor y el receptor. Soporte material por el que circula el mensaje.
LENGUAJE NO VERBAL 

El lenguaje no verbal tiene cada vez más importancia dentro de la sociedad actual, ya que cerca del 60% al 70% de lo que comunicamos se realiza de manera no verbal. Los movimientos de la cabeza, la expresión corporal, la orientación de la mirada, el parpadeo, las expresiones faciales, los gestos corporales, señalar con el dedo, muecas y otras son formas de lenguaje no verbal.
Clasificación de leguaje no verbal
Kinésica:
Corresponde a los movimientos faciales y corporales.
Proxémica:
Se relaciona con la concepción, estructuración y el uso del espacio, relacionándolo con la distancia que se establece entre los participantes del proceso comunicativo.
Icónica:
Incluye imágenes (representación gráfica del objeto), por ej: disco pare.
Señales:
Representación de un referente por un acuerdo social, por ej: negro/luto.
Lenguajes gráficos:
Lenguajes escritos que utilizan imágenes para representar la realidad, por ej. jeroglíficos.
Musical:
La música es otra manifestación de la comunicación no verbal. Las melodías no necesariamente deben ir acompañadas de una letra para crear un ambiente. Los efectos sonoros del rock, por ejemplo, transmiten una emoción muy diferente de los de una balada. Se usa la música para el cine, teatro y la televisión, reflejando estados anímicos.
LENGUAJE PARAVERBAL

Este tipo de lenguaje, tiene la doble función de mejorar la comprensión del lenguaje verbal y favorecer la manifestación de sentimientos, emociones y de actitudes del que habla.
El lenguaje paraverbal se compone de una serie de características que complementan al lenguaje verbal.
- El volumen
- El ritmo
- Tono de la voz
- Las repeticiones
- Enlaces
- Sonidos
- Silencios
Influye en la regulación de la conversación, expresando la invitación a participar en ella a través de la elevación de tono al acabar el turno propio, en los silencios que instan al entrevistado a hablar, en mostrar deseo de intervenir, etc.

Elementos paraverbales

Los elementos paraverbales acompañan la expresión lingüística y entregan al receptor claves que van más allá de lo verbal, pero que lo complementan. Dichas claves posibilitan al oyente la interpretación del significado del mensaje con mayor precisión.
Los elementos paraverbales del lenguaje oral son la entonación, las pausas, los énfasis; es decir, aquellos recursos que nos permiten decir algo en tono de pregunta, de exclamación o de afirmación; en un tono irónico o no convencional; expresar un silencio o interrupción, indicar el cambio de turno de los interlocutores, etc.
Estos elementos del lenguaje paraverbal se traducen en su forma escrita en los signos de puntuación y entonación. Es así como usamos las comillas para indicar el sentido irónico o no convencional de una palabra; los puntos suspensivos para indicar pausas o frases incompletas, los guiones para indicar las intervenciones de los interlocutores, los signos de interrogación y exclamación para expresar preguntas y exclamaciones.

Funciones paraverbales

- Motivar al receptor.
- Permitir que el otro procese la información.
- Señalar un proceso comunicativo defectuoso( un silencio muy prolongado).
- Indicar el cambio de turno en los hablantes.
- Manifestar sentimientos o emociones. 

viernes, 22 de enero de 2016

ESTRUCTURA DE LA OBRA TEATRAL

 

EL TEXTO PRINCIPAL
• Es el contenido, propiamente, de la obra que se divide en :
-Actos: Es una unidad temporal y narrativa, que está marcado por la subida y bajada el telón.
-Cuadros: Parte del texto que está marcada por el cambio total o parcial del decorado.
-Escenas: Parte de la obra que viene determinada por la entrada o salida de los actores. Cada vez que cambia el número de actores en escena, cambia la escena.
• Usa cuatro formas de expresión:
-Diálogo: Es la conversación entre dos personajes.
-Monólogo: Es el modo de expresarse cuando un solo personaje está hablando. Se llama también soliloquio.
-Aparte: Es la forma de hablar de uno o varios personajes que utilizan cuando dicen algo sobre la obra, y los demás personajes fingen no enterarse.
-Off: cuando se habla fuera de escena
• La acción suele tener la siguiente estructura básica:
-Exposición: Es el principio de la obra y en ella se presentan los datos más importantes de la obra.
-Nudo: Coincide con el momento de mayor tensión y donde la trama se complica.
-Desenlace: Es el momento en que se resuelve el problema planteado en el desarrollo de la obra.
EL TEXTO SECUNDARIO O ACOTACIONES
Aporta información para la representación teatral. Ésta puede ser
• Sobre la acción
-Datos e indicaciones sobre el lugar en el que se desarrolla la acción: decorados, época, mobiliario, etc.
-Iluminación, con la que se expresan la hora del día, un espacio concreto, etc.
-Sonidos, para indicar o provocar diversos efectos.
• Sobre los personajes: vestuario, movimientos, gestos, tono de voz, intencionalidad expresiva, etc
LA REPRESENTACIÓN TEATRAL
El fin primordial de un texto dramático, aunque puede ser leído, es su representación en un escenario ante unos espectadores. Esta tarea es llevada a cabo por los actores, que encarnan a los personajes y que son conducidos por un director, que los organizará y transformará ese texto escrito en un espectáculo. Por último, la escenografía es otro de los elementos esenciales de la representación teatral, con ella se sitúa la historia en un tiempo y espacio concretos.
PERSONAJES
• Principales: son aquellos sobre los que recae el peso de la acción. Pueden ser:
-Protagonista: actúan de una forma. ( de acuerdo a la tèsis del autor )
-Antagonista: actúa de forma contraria al protagonista.
•Secundarios: ayudan a los principales.
ESCENOGRAFÍA.
Comprende los siguientes campos:
• Decorados: Elementos necesarios para ambientar el escenario.
•Vestuario: Prendas y ropas de vestir.
•Iluminación: Luces y elementos luminosos para provocar efectos: día, noche, tormentas...
•Sonido: Música y efectos sonoros para complementar lo que aparece en escena: ruidos, etc.
 


jueves, 21 de enero de 2016

CLASIFICACIÓN POR TIPOS DE TEATROS

Logo Design by FlamingText.com

Pantomima: Es el tipo teatro físico que se representa sin utilizar la palabra y empleando el gesto en su sustitución. Para expresar las distintas situaciones de manera comprensible, este tipo de teatro emplea códigos muy estrictos en los movimientos. Este tipo teatral es heredero del teatro de pantomima clásico.
Teatro de títeres y marionetas: Estos tipos de teatro emplean muñecos en lugar de actores y representan situaciones humanas o animales de forma análoga a cómo lo harían los actores. Este tipo de teatro generalmente está destinado al público infantil.
Teatro de sombras: Este tipo teatral originado en China e India también emplea muñecos en lugar de actores, con la particularidad de que el público jamás observa directamente a los muñecos, sino sus sombras que se proyectan sobre una pantalla que está frente al espectador. Está considerado como uno de los antecedentes del cine.
Teatro negro: Este tipo de teatro se sirve de los efectos visuales para lograr la ilusión de objetos animados. El ojo humano no es capaz de distinguir objetos negros sobre negro y este es el fundamento del teatro negro. Es un teatro de manipulación de objetos donde los “titiriteros” están completamente vestidos de negro y manipulan objetos que son expuestos a luz negra y que parecen virtualmente levitar por sí mismos. La compañía más famosa en este tipo de teatro es el Teatro Negro de Praga.

Teatro callejero: Es una forma de teatro que trata de acercar el espectáculo teatral a las masas. Es un teatro que se representa en espacios públicos al aire libre y que puede tener alguna clase de escenografía o prescindir de ella totalmente. El estilo de representación es diferente al que se emplea en el teatro en sala debido al entorno. En estas obras se suele aprovechar el espacio como parte de la obra y suele ser interactivo. Una de las variantes del teatro callejero es el teatro invisible, donde el público no tiene conocimiento de que está presenciando una obra teatral.




Logo Design by FlamingText.com


domingo, 3 de enero de 2016

EL TEATRO CLASIFICACIÓN POR GÉNEROS

LOS GÉNEROS TEATRALES

    El teatro tal como lo entendemos actualmente fue una ocurrencia de los antiguos griegos y tiene su origen en los festejos que estos dedicaban durante el mes de marzo a Dionisos −dios del vino, la inspiración, el delirio místico y, en general, del “desmadre”−, con tumultuosas procesiones en las que se entonaban himnos dedicados a la divinidad. Algunos estudiosos creen que las representaciones teatrales derivaron de esos cantos y de esas procesiones en las que algunos participantes se disfrazaban con máscaras para evocar a los genios de la tierra y la fecundidad. Otros creen que las fiestas dionisíacas sólo fueron el marco en el que se integraron con el tiempo representaciones dramáticas regulares.
     Las primeras representaciones contraponían un actor que explicaba acontecimientos de forma narrativa a los espectadores y un coro que comentaba el relato, aconsejaba a los personajes de la historia, veía venir lo que pasaría... Con el tiempo se introdujeron un segundo y un tercer actor, lo que permitió tener al mismo tiempo en escena varios personajes que se dirigían al público pero que también dialogaban entre ellos. El diálogo se acabói convirtiendo en el rasgo característico del teatro al enfrentar personajes y ser el vehículo de la acción dramática.
    El teatro adoptó ya en sus orígenes dos formas diferenciadas: la Tragedia y la Comedia. A estos dos géneros teatrales mayores vendría a sumársele en el s. XIX el Drama, cuyo antecedentes hay que buscar en la Tragicomedia renacentista y la mezcla de géneros que se dio en el teatro español del Siglo de Oro o en el teatro Isabelino inglés.
 

Los géneros dramáticos mayores: Tragedia, Comedia y Drama.
TRAGEDIA: En las tragedias los personajes protagonistas suelen ser reyes, héroes, semidioses… que se ven enfrentados a un destino adverso contra el que se revelan, a veces con orgullo y desmesura (hybris) y otras de forma heroica y ejemplar. En cualquier caso, el destino les acaba encaminando inexorablemente hacia la muerte y la destrucción. El estilo lingüístico es elevado y grandilocuente dada la seriedad del tema. La gran época de la tragedia corresponde a la Grecia y la Roma clásicas con Esquilo, Sófocles, Eurípides y Séneca. Shakespeare y otros autores ingleses y franceses como Corneille y Racine la renovaron en los siglos XVI y XVII. A partir del s. XIX, la tragedia adopta la forma de drama y, en lugar de enfrentar a los personajes con una fuerza ciega contra la que no pueden luchar, los enfrenta con conflictos morales, consigo mismos, con sus pasiones, temores y fracasos o con el sinsentido de la existencia humana.
 COMEDIA: En las comedias los personajes protagonistas suelen ser hombres y mujeres comunes, a menudo ridiculizados o caricaturizados, que son puestos en situaciones absurdas o irrisorias para diversión de los espectadores. El desenlace de las comedias suele ser feliz y optimista. Su fin es conseguir la risa del público y el reconocimiento de ciertos vicios, defectos y lacras sociales cuando no la crítica a determinadas personas e instituciones; el enredo y equívoco de las situaciones, son característicos de este género teatral cómico. El autor griego Aristófanes llevó este género a su plenitud en el s. V a. de C. Plauto y Terencio lo desarrollaron en Roma. Shakespeare, Lope de Vega, Molière… lo hicieron entre los siglos XVI y XVII. Desde el siglo XIX  es, junto con el drama, el género teatral con más vitalidad.
 DRAMA: La pretensión del drama es ser un reflejo de la vida, de personajes, situaciones y conflictos cercanos a los vividos por los espectadores. A veces tiende a la gravedad y pesimismo de la tragedia y otras al tono más amable de la comedia. En el s. XIX autores como Chejov o Ibsen confirieron al drama una gran profundidad simbólica y ética. 

   
    Los géneros dramáticos menores
     PASO: Pieza dramática de breve duración, asunto sencillo y tratamiento cómico, que antiguamente se intercalaba entre las partes de las comedias. El paso, denominado así por Lope de Rueda en el siglo XVI, está considerado como el precursor del entremés y se caracteriza por su lenguaje realista.
 
    ENTREMÉS: Pieza teatral cómica, en un solo acto y de trama jocosa; surgido en España, en el siglo XVI; los entremeses eran representados en los intermedios de las jornadas de una obra. En el siglo XV, el término "entremés" se aplicaba en los festejos de cortes y palacios, a distintos torneos y danzas que se ejecutaban acompañadas de coros líricos.
 
    SAINETE: Pieza jocosa de corta duración −inferior a un acto− de carácter y argumento popular, en la que se ridiculizan los vicios y convenciones sociales; derivado del entremés y con o sin canciones.
 
    FARSA: Pieza cómica destinada a hacer reír. La diferencia entre la farsa y la comedia reside en el asunto; que en la primera al contrario que en la segunda, no necesariamente tiene que ser convincente o cercano a la realidad.
 
    MONÓLOGO: Pieza dramática interpretada por un solo actor, aún cuando en ella intervengan varios personajes; es un parlamento de extensión superior a lo habitual en los diálogos, pronunciado en solitario o en presencia de otros personajes.
 
    VODEVIL: Comedia aligerada con canciones y bailes, de carácter marcadamente frívolo, alegre y de asunto amoroso, con marcada intriga y enredo; muy popular en Francia en los siglos XVIII y XIX.
 
    Los géneros dramáticos musicales
 
ÓPERA: Representación teatral a lo largo de cuyo desarrollo, cantan los distintos personajes; en ella la acción dramática se conjuga con la intervención de la orquesta, danza, palabra, decorado y otros elementos. Conforme a su estilo y contenido, se puede hablar de ópera seria, bufa, idílica romántica, legendaria, etc. El origen de la ópera se sitúa en la Italia de finales del siglo XVI, cuando el músico Emilio Cavalieri y el libretista Laura Guidiccioni, estrenan El Sátiro, La desesperación de Fileno y El juego de la ciega, consideradas como las primeras piezas de este género.

ZARZUELA: Obra dramática y musical, en la que alternativamente se declama y se canta. Como género específicamente español, tiene sus orígenes remotos en la musicalización de distintos misterios y dramas. El creador fue Calderón de la Barca, con su pieza El jardín de Farelina, estrenada en 1648 y otros dicen que fue Lope de Vega con La selva sin amor de 1629; el hecho de que muchas piezas de este género fueran representadas en la casa de recreo denominada La Zarzuela que la familia real poseía en el Pardo, acabó por conferirle su nombre.

            OPERETA: Especie de ópera, de asunto frívolo y carácter alegre, en el que predomina la sátira.

            REVISTA O MUSICAL: Espectáculo teatral de carácter frívolo en el que alternan elementos dialogados y números musicales.